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Woody Allen: Genio, sin más.

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“Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo”- Woody Allen.

<<-Y andaba yo, por un camino perdido en la oscuridad,y  a través de una sombra que asomaba por los cortinajes aterciopelados, descubriendo como fin, una gran pantalla tras el cálido color de aquellos ropajes colgado de los techos, caer, sin más, entrelazadas por dos sogas de color oro, y dejándose entrever tal maquinária cinematográficas, con ruido, algo de polvo, y una garrafa de aceite para engrasar, tipo tamaño industrial. Cual fue mi sorpresa, que desde esa máquina gigante, con ruedas y papeles transparentes, y una enorme luz, creo que un foco, comenzó a proyectar imágenes de otros individuos haciéndo reír, llorar, sollozar, suspirar…->>

Perdonad, perdonad. Ando dormido. Creo que estaba soñando. Nada, que me  acabo de despertar y creo haber estado soñando con algo sobre cine, o algo similar. Un café. Seguimos.

Ya que ando amodorrado, como si hubiera estado anestesiado quizá, os confesaré algo entre el olor a café y la cucharilla. Me encanta Woody Allen, sí. Juraría que últimamente, a sus 80 años recién cumplidos este maestro del cine, es algo inimitable como tantos otros directores y actores. Pero Woody, es imprescindible tenerlo en casa, en esa filmoteca que tenemos todos en un rinconcito de casa; aunque hay a mucha gente que quizá no le agrade como dirige u actúa.

Woody Allen, conocido así artísticamente, su nombre real es Allan Stewart Königsberg, nacido en Brooklyn es un magnífico director, guionista, actor, músico, humorista y escritor estadounidense. Este señor, es uno de los directores más respetados y prolíficos de nuestra época. Por el año 1969, empezó a producir sobre 45 películas, una cada año, que se dice pronto.

La verdad es que, su magia cinematográfica, viene acompañada e influenciada como comediantes de la talla de Groucho Marx y Bob Hope, a parte de Ingmar Bergman y Federico Fellini como directores europeos. Durante su infancia tocaba el violín, donde después se convertiría en intérprete de clarinete, donde actualmente toca junto a una banda de Jazz, The New Orleans Jazz Band, que esto, le haría un empujón al elegir las bandas sonoras de sus películas.

Sinceramente, es algo extraño, que quién iba a decir, que este personaje con tan sólo 3 años de edad, su madre lo llevó a ver “Blancanieves y los siete enanitos”, que fué tanto la emoción que le produjo, que fue hasta la pantalla a tocarlos. Más adelante, fue internado en una “escuela para maestros con trastornos mentales” según él, siendo realmente una escuela pública de Nueva York. Y luego mirad, todo un lujo ver como este se convirtió, del cisne negro, al cisne glamuroso del cine. Espectacular.

Woody Allen, siempre se consideró un gran humorista, con sólo 16 años, asociado a otros comediantes. Realmente, tomó su nombre astístico a los 17 años, donde comenzó a trabajar de director de sus espectáculos en una de las cadenas importantes de hoteles en Nueva York, donde se encontraba el gran humorista también Jerry Lewis. Más tarde, empezó a enviar chistes a algunos columnistas de periódicos de su ciudad natal. Cuánto hizo con tan poca edad, ya que un agente de prensa, Gene Shefrin, por aquel entonces se interesó por él.

Woody Allen: Magestuoso en toda regla sobre cine “neuro-humorístico”

Casi en los años 60, se metería en la universidad a cursar Producción cinematográfica, aunque no iba mucho a las clases teóricas. Parecía que estaba ya “de vuelta” y lo sabía todo. Aún así, acabó su carrera con pésimas calificaciones, y eso que un profesor de universidad, le llegó a decir con palabras textuales: –“No eres material de Universidad”– Me dicen eso, y yo, me desmorono, sinceramente. Después de esto, fué al psiquiatra. Y así fue como Woody Allen, en sus películas ha mostrado el psicoanálisis como una disciplina, en la que, él mismo está de hecho interesado a día de hoy. Pero el siguió hasta poner su semilla en este mundillo tan enorme y grandioso, como es el del cine, las grandes y pequeñas pantallas, y todos los efectos que tiene.

Es cuando Woody, en el año 1968 rueda su primera película completamente escrita y dirigida por él, la que actúa como un ladrón, “Toma el dinero y corre”. Le costó que una productora financiara el proyecto, hasta que una de las grandes por aquel entonces, Palomar Pictures, lo apoyó. Para que esta , después se desilusionara, el film obtuvo un gran éxito.

Pero es cuando en el año 1977, tras filmar “El dormilón” y “Lover and Death”, obtiene su premio Óscar, con “Annie Hall”. Un dato curioso, cuando fue a recoger el Óscar, no acudió a la gala, ya que se había olvidado por completo de la ceremonia, quedándose tocando el clarinete ese día donde a partir de aquel momento, es cuando Woody Allen alcanza el éxito como actor y director y guionista, con la realización de películas ambientadas en su entorno, su Manhattan, del cual haría un film con este nombre último, filmado en blanco y negro, con grandes imágenes y tomas, las cual se considera un clásico de la historia del cine.

En el año 2002, obtiene el Prermio Príncipe de Asturias de las Artes, donde en España, precisamente en Oviedo, tiene una estatua en su honor. Sus últimas películas, filmadas en Europa, a parte de la aclamación crítica, especialmente la francesa, rueda en la ciudad condal,  en el año 2007 “Vicky Cristina Barcelona”, con partícipes de actrices y actores como Scarlett Johansson, nuestra Penélope Cruz y su actual marido Javier Bardem, donde se llevaron alguno que otro Óscar y numerosos Premios Goya.

He de decir, que a pesar de ser un majestuoso director de cine, con humor, algo neurótico y una pizca de cinismo en sus películas, tiene controversias, donde Woody Allen, acusado de abuso sexual, por su ex-pareja, la actriz Mia Farrow. Todo el mundo sabe de esto, ya que los hechos ocurrieron en el año 1993  con su hija adoptiva Soon Yi, actualmente mujer de éste, aunque el lo negó frente a la prensa y justicia. Pero “lo cortés no quita lo valiente”, y se merece una ovalada y gigantesca ola por el mérito reconocido en su carrera profesional.

Como humorista, y escritor, menciono uno de sus tantos libros, “Pura Anarquía” en el año 2007 escribió, compuesto por unos 18 cuentos cómicos, donde hace hincapie en la ironía y burlas sobre la cotidianidad. Pero si bien, he de mencionar también, que sus bandas sonoras son espectaculares , incluído a él como músico en casi la mayoría de ellas. Bien, pues con su humor, ironía sarcástica e inteligente trabajos cinematográficos, os dejo con una de sus tantas bandas sonoras y su trailer de su último film en este año, “Irrational Film”, arrasando también como “Magia a la luz de la Luna”, “Medianoche en París” o “Aprendíz de Gigoló” , que desde aquí en Quemarropa Magazine, como siempre, queremos que disfrutéis, y ya de paso, seguiré tomando café mientras lo escucho, a ver si me despejo. Por cierto, felicidades Woody, 80 años muy bien llevados. Amén.

La Historia Interminable.¡Qué recuerdos!

La Historia Interminable

– ¿Y por qué está muriendo entonces…?
– Porque los humanos están perdiendo sus esperanzas y olvidando a sus sueños. Así es como la Nada se vuelve más fuerte.
– ¿Qué es la Nada?
-Es el vacío que queda, la desolación que destruye este mundo y mi encomienda es ayudar a la Nada.
– ¿Por qué?
-Porque el humano sin esperanzas es fácil de controlar y aquél que tenga el control, tendrá el Poder.”

¡Qué recuerdos! Hoy casi a finales del mes de noviembre, y fin de semana, he estado repasando mi filmoteca habitual, y con estos tiempos que corren, me he puesto a buscar alguna que otra película donde, en mi adolescencia, iba mucho al cine. Me encantaba ir al cine, e imagino que quien esté leyendo esto, que sois muchos, estará deacuerdo con este artículo que os voy a escribir.

Era un tiempo feliz, donde la gente iba los fines de semana o a la discoteca o al “pafeto” que te gustaba, despues de ver una película en sesión de tarde-noche en aquel cine donde olía a humedad, a cuerpo humano, mezclado con palomitas y olor dulce que emanaba los refrescos dulces. Qué recuerdos, ¿verdad?

Grandes recuerdos: Ética moral, aventura y acción

En mi ciudad, habían dos grandes cines donde los estrenos, llegaban las colas a dar la vuelta entera a la manzana. Era increíble. La gente iba más al cine, y no era tan caro como hoy en día, por dura y pura desgracia. Esperemos que en este tema, se solucione; aunque hay algún otro evento que hacen para que la gente vaya al cine. Eso sí, sin entrar en polémica, es poco lo que se hace en cuanto a la cultura del cine.

Colas a mansalva para ver “Star Wars”, “Terminator”, “Indiana Jones”, “Las tortugas ninja”, “Top Gun”, o incluso, comedias como sátiras de esta última, “Hot Dogs”, cuando se dió a conocer al jovencísimo Charlie Sheen. Es más, aún recuerdo, a un amigo, que con una escena de una de las películas hazañeras de Indiana Jones,  sale el actorazo Sean Connery haciendo de padre de Indiana Jones, cuando le da a beber del cáliz, enfocándo este en primer plano, en toda la pantalla gigante del cine, la cual saltó diciendo en medio de un absoluto silencio en la sala:-” ¡Fontvella! El agua que no deja huella!”- Bueno, imaginad a toda la sala riendo durante aquella escena…

Realmente ando trascendente, ¿cierto? Más de uno asentaréis con la cabeza: sí.  Tenéis razón, cinéfilos. Todo esto me ha llevado a hacerlo buenamente, claro, debido a  varios filmes, aunque uno más que otro, como es la grandísima, única, auténtica y genuína película, “La historia interminable”.

Sí amigos. Qué película. Qué recuerdos tan entrañables, donde permanecías hasta el último acento de la última palabra en la pantalla cuando finalizaba y no querías que se acabara, que no salerian los créditos, no querías irte de la sala.

Nunca terminará en nuestros recuerdos.

Si nadie recuerda su inmemorable trama, os refresco la memoria. Es una película alemana “Die unendliche Geschichte”, que se estrenó en el año 1984, coproducida entre Alemana Occidental y los Estados Unidos, con un gran género de fantasía y aventura al parecer , no sólo para niños, donde fue dirigida por Wolfang Petersen, basada en la novela homónima de Michael Ende, <<escritor que también  como novela creó “Momo” unos cuantos años atrás en el año 1973>> que aún así, siendo llevada por tres veces al cine, y su gran éxito en las grandes pantallas, el escritor alemán se mostró muy desilusionado ya que habría que variar en su contenido. Siempre le gustó escribir con nombres extraños en sus novelas; eso sí, acertando en cuanto a su estilo literario.

La historia interminable, trata de un libro que habla de un libro.  Fácil, pero no . Es la historia de Bastián Baltasar Bux (Barret Oliver) quien al robar un libro descubre que el libro habla de él y es absorbido por su trama, haciendo que no puede dejar de leer la historia y se sumerge por completo en el mundo de Atreyu (Noah Hathaway) el mismo protagonista, con seres fantásticos como enanos, caracoles de carrera y dragones de la fortuna.

He de decir, que es una de las películas, que contiene muchísma diversidad y cantidad de efectos especiales,  aunque hay una trilogía siendo más flojas que la primera parte,y sin embargo para aquella época en el año 1984 no había uso a penas de estos efectos con ordenadores. De hecho, el director Steven Spielberg obtiene una pieza del rodaje como paño en oro en su oficina, metido en un tarro de cristal. Es curioso, para mi, se merece un ovalado premio, independientemente de que se le galardonara, ya que todo el atrezzo, figuras y decoración, se hizo a mano. Se merece un auténtico mérito.

Aún así, eran unas figuras muy complejas, ya que era necesario a quince personas para poder movilizar las figuras durante el rodaje, donde algunos de estos muñecos hechos de barro y yeso, aún se encuentran en Baviera, haciendo de atracciones más populares la figura original del dragón Fújur. ¿Os acordáis? ¡Yo quería uno en la vida real cuando mis ojos lo vieron! Se vendieron cifras desorbitadas de aquel dragón de las fortunas, y en varios formatos…

En cuanto a su banda sonora original, la canción que mete cuerpo en la fantasía de este viaje de corazón aventurero, está cantada por el artista, Christopher Hamill,y su “Never Ending History” conocido mejor por su nombre de artista Limahl, cantante de pop inglés.

Hizo el salto a la fama como líder y cantante de la banda de pop Kajagoogoo, antes de que comenzara su carrera en solitario. Esta trajo de cola a muchos adolescentes en los colegios y sinceramente, creo que fué una película a parte de trama literaria fantástica, muy educativa, donde se recalcaron muchos valores en esa etapa de la vida de un ser humano, gracias a la inculcación de la narratia y fomentación a la lectura.

Volviendo a la realidad, y de vuelta de lo trascendental, vuelvo a pisar tierra, eso sí, no quedándome con las ganas de verla, e invitaros a que volvais a retomar vuestros recuerdos de adolescencia o infancia, con una trama aventurera, filosófica y de acción, que hace que el protagonista que la ve, se integre también en el film, y que lo viva. Qué recuerdos… Que la disfrutéis. Saludos desde el Universo de Fantasía.

Chef. No solo un sueño americano.

#Chef . Más que un sueño americano.

– Si vas a un concierto de los Rolling Stones y no tocan Satisfaction, ¿cómo te sentirías? ¿Estarías contento?
– No.
– ¡No! Prenderías fuego el lugar. Tu menú funciona. La gente lo ama. Haz lo que quieras esta noche, ¿bien? Tú eres el chef. ¿Sabes qué pienso? Que deberías tocar tus éxitos.

Chef. ¿Cómo era?”Cocinero. cocinero, házme un arroz con habichuelas…” ¿Era así? Yo de cocina, no sé mucho. Lo mío es el cine, amigos. Aunque si lo pienso, sé defenderme ante los fogones…

Pero bueno, no es el caso, aunque ahora que lo pienso, estaría muy bien alguna sección en Quemarropa Magazine sobre recetillas y mundo de leña con ollas, ¿no? Ya que el mundo del cine, también está relacionado con el mundo de la cocina. Eso de que dices: “Voy a ver una peli, y a ver que hago de cenar mientras la veo…” Bueno, que me voy por los cerros de Úbeda…

Hoy os traigo una película divertida, fresca, positiva y llena de redención profesional. Está claro que al que le apasiona lo que hace, lo vive. Y de eso trata esta película esta semana.

No os voy a poner a cocinar, aunque realmente, sí que entran ganas de cocinar al verla. Pero ya no por la comida, si no por el entusiasmo que nos hacen ver durante la película, sobre el esfuerzo de uno que quiere en la vida y que con pasión, todo cuando se hace, sale. Sí amigos. Esta semana, al verla, estoy totalmente poseído por este film que vale la pena ver.

Chef trata de una película donde se ve el empeño de algo, y sobre todo lo que conlleva a esforzarse para hacer ese “algo”. Me repito, cuando algo te apasiona, házlo. No lo esperes. Si tienes la oportunidad y las herramientas suficientes para hacer algo que te gusta y te corre por las venas, sin duda, todo depende de un verbo: házlo.

Chef : Pasión por lo que uno quiere y hace.

Chef es una película estadounidense de comedia,  que en México, se titula “Chef a domicilio” y en el resto  “#Chef” ,dirigida por el mismo protagonista, Jon Favreau (Carl Casper), junto a Robert Downey Jr (Marvin), John Leguizamo (Martin), Scarlett Johansson (Molly) e incluso el grandísimo Dustin Hoffman (Riva Rivers) y como no, la atractivísima Sofía Vergara (Inez De Los Puentes).

La película, trata de que nadie puede negarse a renunciar a su integridad creativa como tal, donde durante un largo camino, vuelve a las raíces de donde vino y recupera esa pasión por los fogones, unidas a la familia, la vida y el amor, donde las redes sociales también incumben en este film.

Chef, contiene un espíritu lúdico donde no se eleva más allá de la comicidad funcional de película veraniega, aunque logra que caiga irremediablemente simpática llena de orificios humorísticos y pericias cómicas, eso sí, consiguiendo el sueño del protagonista.

He de decir, que sobre los papeles de las dos actrices, dejan algo que desear, y merece a penas una mención positiva, convertidas en “mujeres florero”, donde aparece deseado por dos de las mujeres más explosivas del planeta.

Antes lo mencionaba, que también son protagonistas las redes sociales, aunque de manera inteligente, tanto narrativo, visual y ético, donde opina con certeza sobre el buen o mal uso de ellas. Esto es lo que aporta algo de frescura a su historia de caída y resurgimiento. Por otro lado, su vertiente dramática funciona a medias en la medida que uno empieza a temer lo previsible del conjunto, despertando en los personajes empatía, donde nos hace llegar a un clímax emocional y que a uno realmente le importa un poco lo que presencia en esta película.

Cabe destacar en la película, que obtiene una buenísima banda sonora a quien le guste los ritmos calientes y acalorados de Salsa, entre otros, como Rebirth  Brass Band, donde obtiene ritmos frescos y animados llenos de saxofón y trompetas.

Bueno, a cocinar no sé, pero desde luego, yo la vería, al menos para ver como uno tiene que lograr su meta. Y bien es cierto, que eso de “empezar de cero”, es bien cierto. Si te caes, vuelve a levantarte una y otra vez, hasta que hayas conseguido tu objetivo. Con pasión, recuerda, todo se hace. A todo esto, voy a ver que preparo de cenar mientras veo mi filmoteca, donde os informaré no de lo que cenaré, sino de lo que me ha gustado ver como buenas películas. Animados saludos desde mis fogones, cinéfilos.

Pequeño Buda: Bertolucci con objetividad.

 

Pequeño Buda

“Si apretáis la cuerda demasiado…. se romperá. Y si la dejáis demasiado floja…. no sonará….”

Pequeño Buda. Enseñanza, objetividad y temática aplicada al “Yo”, a uno mismo. Y así estaba yo este fin de semana, tratando de buscarme a mi mismo, lo que me dije: – Voy a ver si encuentro alguna película de “esas” que me ayude a encontrar algo no bueno, sino mejor, para ayudarme a superar ánimos y cosas cotidianas- Y así fué. Eché mano de mi filmoteca peculiarizada en mi mueble de auto-montaje, y ahí estaba Bertolucci esperándome.

Pequeño Buda, como bien digo, es una celuloide dirigida por Bernardo Bertolucci. Sí, Bertolucci nos acompaña de nuevo esta semana. Creo que es inevitable no ver films de este gran director donde los haya.

La película es del año 1993, rodada entre Seattle, Buthan y Nepal, países asiáticos, con una belleza espectacular. Sin embargo,  hay escenas donde realmente acerca al espectador al paisaje de los refugios de los tibetanos exiliados como Paro o Patan, y que nos hace reflexionar sobre cosas valiosas de la vida, y de nosotros mismos desde otro punto de vista, desde el cine.

Está protagonizada por Chris Isaak (padre de Jesse), músico actual  después que fuera boxeador,que recordaréis la famosa canción “Wicked Game”,  la gran actriz Bridget Fonda (madre de Jesse) y el tan famosísimo actor seductor Keanu Reeves (Príncipe Sidharta) que ya todos y todas por supuesto conoceis, como en “Matrix”, “Speed” o “Le llaman Bodhi” junto al fallecido actor Patrick Swayce.

Es una bella historia que gira en torno a los orígenes de la religión budista, donde el director, en este caso como en otros, presta más atención a los detalles que al fondo en sí de lo que trata la película.

Pequeño Buda: Film con temáticas significativas para la vida.

Lo que me llamó la atención de este film, es la nula presencia de barreras idiomáticas entre niños de diferentes países, pero es que Bertolucci usa más una didáctica infantil para exponer las bases de la religión budista, ya que de esto último trata la película lo que nos hace reflexionar algo sobre ello, aunque el director, cae un poco sobre los personajes dejándolos de lado en su rol, y centrándose más en el Budismo.

Finalmente, tenemos una película hermosa de colores, que juega con ellos, donde por ejemplo, en Seattle, los colores son mas fríos, comparando la belleza que podamos observar en tal apreciados paisajes que salen donde se hizo.

Al final, también obtenemos que a pesar de su espeso irrealismo en algunas fases, nos permite conocer a grandes rasgos la realidad budista sin llegar a aburrirnos, tratándose de un documental. Aunque bueno, casi todos los documentales son muy buenos, pero depende de qué, obviamente.

Pequeño Buda nos ofrece una clara reflexión sobre la necesidad de buscar un sentido a la vida, donde encontrar temáticas con objetivos: La espiritualidad, que nos conlleva a incentivar el conocimiento personal, junto a experiencias y sentimientos. La madurez, donde fomenta la responsabilidad de los actos de cada uno junto a la conciencia y desarrollo. Y por último, la muerte, promoviendo la seguridad emocional, la capacidad de superación a uno mismo.

En fin, cinéfilos, con esto no quiero daros una clase de Filosofía, sino daros un pequeño empujón a que veáis una buena película entretenida y amena, y así de paso, busquéis un pequeño hueco para la relajación y el bienestar. Espero que os guste, y sobre todo, que busquéis vuestro camino, cinéfilos. Paz y armonía para todos. Buena semana.

 

Robin Williams

Robin Williams: ¡Adiós, mi capitán!

Robin Williams

“Solía pensar que la peor cosa en la vida era terminar solo. No lo es. La peor cosa es terminar con alguien que te hace sentir solo.” Robin Williams .

Robin Williams, SÍ, y en mayúsculas. Gran pérdida de un genio de la interpretación, desde Agosto del 2104, donde casi todo el mundo supo la tediosa noticia del mal fallecimiento que tuvo el actor, encontrado en su propia casa de una de las bahías famosas de San Francisco, Tiburón.
Este hombre se merece un gran homenaje, en parte, y por otra no, por lo que hizo en su imborrable día. Pero como buen cinéfilo que soy, estaba repasando mi filmoteca peculiar y merodeando por las redes sociales, hasta que una lucecilla, me encendió el chip de nuevo, y me puse a recordarlo en toda su carrera profesional.

Su nombre real, es Robin McLaurin Williams, nacido en el Condado de Cook, Chicago, y fallecido a la joven aún edad de 63 años. Su interés por el mundo de la interpretación, fue en su adolescencia, haciendo sus inicios en el teatro, donde anteriormente, iba para político, dando casualidad que tuvo que hacer un papel interpretativo en un acto, a lo que esto le conllevaría a darse cuenta de lo que el quería realmente.
Sin embargo, a parte de ser actor y comediante en varios géneros de las grandes pantallas, contaba introducirse también en el mundo del doblaje; por lo cual, le conllevó también a hacer muchos últimamente debido a sus cambios y registros de voz.
Es curioso, ya que se lanzó a la fama en una serie televisiva de Estados Unidos, “Mork & Mindy”, en la que interpretaba a un extratarrestre, y obtuvo un papel muy importante, durante años. Aunque realmente, vió que se encasillaba , y decidió abandonar la serie y dedicarse al cine, sin éxito alguno al principio.

Robin Williams: Mil papeles en acción, comedia y drama

Y hoy, os voy a enunciar, una de sus películas bélicas, nominadas al Oscar -a parte de “Despertares” de la cual ya os he hablado anteriormente- al Oscar como mejor actor principal, “Good Morning, Vietnam”, del año 1987, dirigida por Barry Levinson, donde Robin Williams (Adrian Cronauer) interpreta a un disc-jockey de radio en plena Saigón para entretener a los soldados desplegados, con diversión asegurada.
Este film, he de decir que se merece por mi parte una gran oleada, ya que no solamente es la película, sino lo que le acompaña: su trama como tal, su música entre otras cosas importantes, la interpretación de Robin Williams, su paisaje y un largo etcétera.
Cabe destacar, que hay un grandioso y amplio género musical en su banda sonora original, pasando por música de los 50 a los 60 , como The Marvelettes, The Beach Boys, James Brown, Joe Puma & Eddie Hall, o el tan bailado Wilson Pickett.
Bien, pues va siendo hora de volver a retomar el celuloide, haciendo homenaje a este ilustre actorazo, que nos dejó a todos, con mal sabor de boca al hacerse eco de su mala noticia debido a su desaparición entre los humanos. Va por ti, Robin. ¡Hasta siempre, mi capitán!

 

Regresión: De… ¿Alejandro Amenábar?

Regresión

“Mi cine no es un cine de respuestas, sino de preguntas.” Alejandro Amenábar.

Regresión… ¿Amenábar, eres tú? Sí queridos cinéfilos, creo que esta vez, no es Alejandro en su mejor momento como guionista, ¿o sí?

Sinceramente, esta semana, me he planteado ver este film del tan psico-social director Alejandro Amenábar, donde, al verla, sinceramente no me llevé una desilusión como tal, por que es una trama muy entretenida. Pero no es nuestro Amenábar de siempre, y por esa parte, contrarresta.

Regresión es una película donde se desenmascara una siniestrísima conspiración, con un largo papel artificial pero a su vez inexplicable.

Para mi fue una película bien contada, con su clima de tensión y sospecha, con toques picantes de maldad, de tonos asfixiantes y cálculos recovecados; pero creo que si Sara Montiel y Robert De Niro hubieran hecho una película juntos, llamándose “Bajo Sospecha en la cumbre”, hubiera tenido mas tensión que los cables de la luz al sol…

Regresión nos trae de la mano de este director, Alejandro Amenábar, una película “muy americana” y psicológica, ganando destreza con las trabas que se suceden, protagonizada por Ethan Hawke (nominado al Oscar por Boyhood) y Emma Watson (Noé, Harry Potter) entre otros.

Alejandro Amenábar, director y compositor musical de su Chile natal, aunque residente en España, comenzó haciendo cortometrajes entre los años 1991 y 1995, y que más adelante influiría en sus grandes proyectos de pantalla. De bien pequeño, compuso melodías con teclado y guitarra, al mismo tiempo que escribía historias, aunque encabezadas a los cortos .

En este caso, en “Tesis” << lo que nos lleva de film,  es la certeza de que alargar la estancia en la universidad sólo puede traer problemas>> del año 1996, un cortometraje que hizo y compuso él mismo con 23 años,  ambientado en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid donde estudió sin terminar su carrera, llamó la atención de varios festivales de cine, en Berlín, consiguiendo así siete Goyas, como mejor película y mejor director novel, con la insolencia y desparpajo de una generación que no tenía intención alguna de disculparse por su ambición.

Regresión: “simulacro” de lo dionisíaco

Acto seguido, un año más tarde en 1997, hizo otra película “Abre los ojos”, donde fue de nuevo aclamado en otros festivales a parte del de Berlín, en Tokio, que le llegó hasta a Tom Cruise a impresionarse por él, donde adquirió más tarde los derechos de adaptación y protagonizó el remake “vanilla Sky” en el año 2001. En esete mismo año, protagoniza “Los otros”, donde la protagonista Nicole Kidman, fue el film más visto del año, que se estrenó en el Festival de Venecia, ganando otros tantos ocho Goya.

Más tarde, a pesar de sus malos tragos familiares, entre ellos su padre, donde fue hospitalizado, nos ofrece la famosa “Mar adentro” con Belén Rueda y Javier Bardem, ofrenciéndonos en grandes pantallas el relato veraz del tetrapléjico Ramón Sampedro, que tocó fundamentalmente temas como la eutanasia, aborto y derecho a una vida digna. Esta ganó catorce goyas, inclusive un Oscar a la mejor película de habla no inglesa, en el año 2004.

Hasta dia de hoy, solo nos ha ofrecido una película como bien decíamos al principio, que no cumple con lo que realmente es este director tan aclamado por sus películas sinopsiadas de psicosis y retos talentosos, junto a la influencia de diversas fuentes literarias , como el suspense, intriga o thriller, bajo la base de Alfred Hitchock, Stanley Kubrick o Roman Polaski, y que tanto esperábamos de él. No ha estado en su salsa, sinceramente.

Aún así, quiero deciros que es una película desde mi punto de vista muy suspense, que quizá Amanábar no ha sabido “recolocar”  su posición, dejándolo como una buena película bien guionazada, llena de intriga, faltando ese color pintoresco oscuro, inspirado en el pánico y planes diabólcos como tal .

Bien, pues, dicho esto , queridos amigos del celuloide, os dejo con el tráiler de la película recién estrenada de este “regresado”. Y hablando de regresiones, ¿Regresaremos a vernos? Y tanto que sí. Buena semana, celuloiticos.

Último tango en París

Último tango en París

Último tango en París

“- Escucha, quiero que nos miremos uno al otro.
– Es bonito no saber nada el uno del otro.
– Sí.”

“Oh la la, oui mon amour, danser un tango à Paris” Y no precisamente, en Disney Land Paris. No me imagino bailándolo con Micky Mouse & Cía…
Esta semana os traigo una película donde os retomará un bienestar de relax. Rememorando mi filmoteca particular,  un dia de lluvia, bajo un foulard de sofá y unas cuantas palomitas a uno de esos tuppers que buscamos para ponerlas y se nos cae el resto detrás, decidí de nuevo verla.
Si comparamos con el film de “Nueve semanas y media”, desde mi punto de vista cinéfilo, no tiene nada que ver, aunque en algunas escenas, quizá sí que tenga que ver el parecido trato con el que se ruedan las escenas eróticas.

“Último tango en parís” es una película franco-italiana del año 1972 rodada y dirigida por Bernardo Bertolucci, donde la mayoría de sus películas transcurren en escenarios aparentemente intrascendentes, con la importante excepción de un grupo de películas ambientadas a lugares más exóticos, una ciudad entrañable como París.
Su gurú cinematográfico Bertolucci, se ganó una nominación al Oscar a mejor dirección, y es recordada por contener una de las escenas de sexo más fuertes del cine convencional no pornográfico.
La película tambien contiene una buena banda sonora, creada por Gato Barbieri, considerado uno de los mejores saxofonistas latinoamericanos de la historia del Jazz, influenciado por Carlos Santana entre otros, encontrando varios de sus éxitos musicales “Europa”, “I want you” y “Last tango in Paris”.

Último tango en París: mantequilla para todo.

Protagonizada por ambos actores fallecidos, Marlon Brando a una edad madura (Paul) y una adulta pubescente,  Maria Schneider (Jeanne), trata de la caracterización del fuerte erotismo que pasa a la historia del cine una violación, ya que en esa época y en general el tratamiento de la temática erótica desde una óptica inusual, causarían un gran impacto en la sociedad.
Esta escena fué real y pedida por Marlon Brando, rodada solamente una vez y con lágrimas verídicas de la protagonista. Nada más pensarlo, deben ponerse los pelos como escarpias…

Es curioso, por que cuarenta años despúes, se supo de que esta escena de violación fue muy real -aunque negada por cineasta y actor en su día- ya que salió a la luz afirmando que fue improvisada por Brando el consentimiento de este, sin saber lo que la actriz fuera a pasar. La idea se les ocurrió mientras estaban desayunando, donde el actor comenzó a untar una baguette con mantequilla, y sus miradas se hicieron cómplices, siguiendo sin el más mínimo remordimiento con el “racconto” de la vivencia en escena.
Así pues, decidieron no decirle nada a la actriz para obtener una reacción de la plaqueta mucho más realista sobre su papel como adolescente de veinte años. Vamos, sodomizada totalmente.

Desde aquí, aunque sea un buen celuloide, no tiene ni debe ocurrir esto. Que mejor, no dar ideas, sino divulgar películas cuyos directores y actrices en conjunto, nos dejen un buen rato, largo y ameno para poder seguir disfrutando del mundo del cine.
Con su trailer original y su banda sonora, os invito a que, llegando el otoño, apetece ver buen cine, acompañado o no, de un buen respiro, en casa y sin entreactos. Buena semana, cinéfilos.

 

 

Gran Torino, Gran Eastwood

Gran torino
 

“Puedes pegarme. Puedes tirarme al suelo, incluso escupirme y mearme. Pero, por favor, no me aburras.” Clint Eastwood en Gran Torino.

Gran Torino. Esta semana, veneramos a este fantasmagórico y legendario actor, director, guionista, músico, compositor y productor. Así, en seco, como una frenada a 150 Km/h en pista. Cinéfilos, esta es una gran película. Es un film que, aunque parezca la fortaleza de este gran actor, con esa cara, esa destreza, dureza y rasgos faciales, contiene trazas dramáticas, aunque de comedia, risas, y “puntazos” varios, realmente nos demuestra significativamente muchos aspectos de la vida , si profundizamos más en ella.

Es una de esas películas donde, al verla, y “poniendo toda la carne en el asador” abriendo todos los sentidos para verla, no solamente de ojos, te sorprende. Desde mi punto de vista, así fue, me sorprendió mucho, ya que del tio Eastwood, quizá lo hayamos visto de manera que tenemos una concepción sobre él, al verlo casi siempre de “tipo duro” en otros films como en una de las mejores películas de la historia, “El bueno, el feo y el malo”, pero esta vez en Gran Torino, no.

Gran Torino: máximo talento junto con lo irascible

Gran Torino,  protagonizada por Clint Eastwood (Walt Kowalski) y Bee Vang (Thao Vang Lor)  entre otros actores secundarios, marcó el regreso de Clint Eastwood en el 2008, a un papel sidéreo y estelar después de cuatro años, donde había sido en otro  gran celuloide, “Million Dollar Baby” en el  2004. Sin esperar menos, también nos encontramos a sus hijos Scott y Kyle Eastwood en la banda sonora, donde se estrenó en España tras hacerlo primero en cines de Estados Unidos.

Al parecer, dijo que con esta película se despide de su actuación, y es muy humilde por su parte, al no hacerlo bajo ninguna de sus grandes obras, aunque esta no se queda nada corta. Sencillez y humildad, bajo su rostro seco y tajante como nos muestra en este proyecto.

El film,  realmente, trata de autoabastecerse a uno mismo y crecer, en cuanto  principios, valores y sobre todo,  hacer frente a la carencia de dignidad, replantearse las cosas debido a las circunstancias. Todo esto, sumado a la forma sutil y entrañable, en la que Eastwood, da la vuelta a su personaje, para convertirlo sin querer, en un héroe vecinal de la guerra de Corea, de aquellos que no les agrada a este, siendo un gruñón, inflexible y cascarrabias, al que le cuesta trabajo asimilar los cambios que se producen a su alrededor y no tiene más remedio que hacerlo.

Hay talento, donde maneja los silencios como solo él sabe, y que hace ver por el ojo del espectador una intensidad arrebatadora sublime, hasta que nos hace llorar por su perro, pero ante todo, su coche, un gran Ford Grand Torino de valor sentimenal incalculable.

Lo curioso sobre su rodaje, es que se filmó en tan solo treinta y tres dias. Sorprende que un film de esta talla, con poco dinero y con un gran genio, fuera la película más recaudadora, donde completa la baraja de póquer,  con su as bajo la manga a la perfección. Chapeau.

 

Despertares

Despertares: alza científica cinematográfica

Despertares

 

“La ciencia no es saber lo que puede o debe hacerse, sino también saber lo que podría hacerse, aunque quizá no debiera hacerse”

Despertares, no trata de despertarse de la cama. No se trata de despertar la mente. Pero sí que podemos hablar de este film de los años 90 como una magnificencia cinematográfica unida a la prosperidad científica.

Esta semana os traigo una buena trama, con buenos actores e interpretaciones, donde relatan datos reales al ser un film autobiográfico basados en hechos con gran veracidad.
Despertares está rodada por el estadounidense Penny Marshall basada en la autobiografía del neurólogo Oliver Shacks,  y trata de los experimentos con efectos benéficos realizado con la L-dopa (Levodopa), una sustancia precursora sobre la dopamina relacionada con la enfermedad de Parkinson.
Su transición, tuvo que ver realmente con los pacientes catatónicos que sobrevivieron a la epidemia de encefalitis letárgica, desde los años 1917 hasta 1928, donde se les dió “más vida” en todos los aspectos.

Despertares: Encefalitis letárgica entre bastidores

Despertares está protagonizada por el fallecido Robin Williams (Doctor Malcom Sayer) y como paciente, haciendo uno de sus mejores interpretaciones, Robert De Niro (Leonard Lowe), se familiarizan ambos entre las diversas investigaciones que conlleva este fármaco, haciendo de “conejillo de indias” el gran De Niro, donde su vida cambiará y le hará ver cosas que nunca vió al estar dormida la parte correspondiente al cerebro, por causa de su enfermedad.

A lo largo de la película, muestra una preocupación obvia por el bienestar y mejora de los pacientes. A la vez que observamos que indaga sobre la enfermedad y las similitudes que los pacientes tienen entre sí para así hallar una cura que los ayude a salir del estado en el que se encuentran.

De cualquier forma, esta aparente preocupación del Doctor Malcom Sayer por la recuperación de los afectados puede deberse a un deseo de satisfacción personal, a la necesidad de alcanzar una nueva meta que marcará un hito en su carrera.
Las bases teóricas para el uso de este compuesto en el Parkinson se apoyan observando en pacientes con esta enfermedad, la dopamina se agota, pero que las células restantes aún son capaces de producir un poco de dopamina captando su precursor, L-dopa.
Este tratamiento elimina generalmente la hipocinesia (debilidad motora y disminución del movimiento), la rigidez disminuye el temblor. El desenlace final, pone problemas de tratamiento, pero no os voy a ejercer de farmacéutico de barrio, ni como farmacólogo profesional, aunque no esta demás dar a conocer y divulgaros de que trata esta sustancia.

Con sus tres nominaciones a los Oscar, a la mejor película, al mejor actor principal, Robert De Niro y al mejor guión adaptado, os recomiendo que la veais, para que podais apreciar, reiros incluso con buenas escenas de comedia, y sobre todo, queridos cinéfilos, lo que es la vida desde otro punto de vista científico junto a la humanidad y sus cosas gratas, comprensivas e indulgentes que nos conlleva.

Que la disfruteis.

 

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Cuenta conmigo: Stand by me

Cuenta-conmigo

Cálido recorrido por la adolescencia, con resultado de encanto y silbable, junto a la banda sonora que ayuda.

Cuenta conmigo: Stand by me. Y así es, cinéfilos. Traemos esta semana una muy buena recomendación, de los años casi 90 en las grandes pantallas, aunque basada en los finales de los años 60.

Este film, fue una de las aventuras de amistad de adolescencia, con una pizca de dramatismo incluido que llegó mucho a las personas, que se basó en una de las novelas autobiográficas muy famosas de Stephen King, “El cuerpo”.

Está dirigida por Rob Reiner y protagonizada por Wil Wheaton, el fallecido River Phoenix, Corey Feldman y Jerry O’ Connell en papeles principales y unos jovencísimos Jhon Cusack y Kiefer Sutherland . En una trama como esta en Cuenta Conmigo: Stand by me, nunca se ha repetido una cantera de actores niños tan buenos, y aquí posiblemente se junten unos pocos.

Es una trama donde se cuenta la historia narrada en primera persona como protagonista secundario, y los hechos que van sucediendo a lo largo de las ocurrencias, charlas intrascendentes llenas de filosofía personal, junto a un emocionante viaje lleno de aventura, humor, reflexión y nostalgia. Cuenta conmigo: Stand by me no solamente se trata de una película de adolescentes, donde ocurren hazañas heroicas durante el trayecto. Llega a más cuando finalmente descubrimos un sinfín de sensaciones y valores dentro de esta que acentúa el simbolismo del paso a la madurez.

El miedo, otra de las constantes en el mundo infantil, hace acto de presencia en no pocas ocasiones, que esta vez será a los aullidos en la oscuridad, y donde el mecanismo de defensa es, una vez más, mostrado con talento por Reiner que hace que sus protagonistas lo transformen en juego para sobrellevarlo mejor.

Cuenta conmigo, Peripecia cinematográfica.

Las situaciones tensas y largas, también harán de varias escenas para llevar mejor los afrontamientos de cada protagonista, lo que hace más morboso y llevadero todos los momentos de la película.

A través de unos diálogos magníficos que Cuenta Conmigo: Stand by me conlleva, y sin caer jamás en la voz en off fácil, el guión hace hincapié en lo que significa para alguien de esa edad mentir a tus padres, leer comics, vacilar a algún colega o que un “chulito” te vacile a ti. Y de eso sabe cualquiera, por eso hemos pasado absolutamente todos. Y el que no haya hecho nada de esto en su infancia, no ha tenido infancia, y se ha perdido una de las partes más brutalmente divertidas de la vida.

Cabe destacar también su BSO en donde en aquellos aterciopelados años 60 la música era y sigue siendo muy buena . Artistas conocidos como Buddy Holly, The Chordettes, Ben. E King, o Jerry Lee Lewis entre otros nos acompañan durante la trayectoria de la película haciendo que sea mas amena.

Lo peor de la película, es que los chavales de hoy en día, no la puedan entender. Lo mejor, los valores en conjunto que nos brinda la vida a cada uno en una etapa muy difícil como es la adolescencia y la juventud, junto a sus percepciones e incluso intuiciones aprendiendo a vivir y compartir grandes amistades. De eso se trata esta peripecia cinematográfica, de la valiosa amistad. Saludos, y no olvideis, que podeis contar conmigo, nunca mejor dicho…